日本画。現代日本の絵画

日本画は最も古く、最も絶妙な種類です多くの技術とスタイルを網羅する美術。その存在の歴史全体にわたって、それは多くの変化を遂げてきました。新しい伝統やジャンルが追加され、日本の本来の原則が維持されました。日本の驚くべき歴史に加えて、絵画は多くのユニークで興味深い事実を提示する準備ができています。

古代日本

日本画の最初のスタイルが最も多く登場します国の古代の歴史的時代、紀元前でさえ。 e。それから芸術はかなり原始的でした。まず、紀元前300年。例えば、棒を使って陶器に施された様々な幾何学的な形が現れました。青銅の鐘の装飾品としての考古学者によるそのような発見は、後の時代にまでさかのぼります。

少し後、すでに西暦300年に。 e。、幾何学的な装飾よりもはるかに多様な洞窟壁画が表示されます。これらはすでに画像付きの本格的な画像です。それらは地下室の内部で発見され、おそらくそれらに描かれている人々はこれらの埋葬地に埋葬されていました。

7世紀にAD。 e。日本は中国からの文章を採用しています。ほぼ同時に、最初の写真はそこから来ました。その後、絵画は芸術の別の領域として表示されます。

江戸

江戸は最初でも最後でもない学校しかし、日本画は文化に多くの新しいものをもたらしたのは彼女でした。まず、通常の技法に追加された明るさと色が、黒とグレーの色調で実行されます。このスタイルの最も著名なアーティストはSotasuです。彼は古典的な絵画を作成しましたが、彼のキャラクターはとてもカラフルでした。その後、彼は自然に切り替え、ほとんどの風景は金メッキを背景に演じられました。

第二に、江戸時代には、南蛮のジャンルである異国情緒が現れました。それは伝統的な日本のスタイルと絡み合った現代のヨーロッパと中国の技術を使用していました。

そして第三に、ナンスクールが登場します。その中で、アーティストは最初に中国の巨匠の作品を完全に模倣するか、コピーさえします。次に、バンジーと呼ばれる新しいブランチが表示されます。

近代化の時代

明治は江戸時代を引き継ぎ、今では日本人絵画は開発の新しい段階に入ることを余儀なくされています。この間、西部劇などのジャンルが世界中で人気を博し、芸術の近代化が当たり前になりました。しかし、すべての人が伝統を尊重する日本では、当時の状況は他の国とは大きく異なっていました。これは、ヨーロッパと地元の技術者間の競争が激化する場所です。

この段階で政府は洋風のスキルアップに期待を寄せる若手アーティストを好む。したがって、彼らはそれらをヨーロッパとアメリカの学校に送ります。

しかし、これは期間の初めに過ぎませんでした。事実、有名な批評家は西洋美術をかなり強く批判しています。この問題に関する多くの興奮を避けるために、ヨーロッパのスタイルとテクニックは展示会で禁止され始め、それらの展示は停止され、人気もありました。

ヨーロッパスタイルの出現

次は大正時代です。この時、外国人学校に留学した若手アーティストが帰国。当然、彼らはヨーロッパのものと非常に似ている新しいスタイルの日本画を持ってきます。印象派とポスト印象派が登場します。

この段階で、多くの学校が形成されています。古代の日本のスタイルを復活させています。しかし、西洋の傾向を完全に取り除くことはできませんでした。したがって、古典の愛好家と現代ヨーロッパの絵画のファンの両方を喜ばせるために、いくつかの技術を組み合わせる必要があります。

一部の学校は州から資金提供を受けており、そのおかげで、国の伝統の多くを保存することが可能です。民間業者は何か新しいものを欲しがっている消費者の先導に従うことを余儀なくされており、彼らは古典にうんざりしています。

第二次世界大戦の絵画

戦時中、日本画はしばらくの間、よそよそしいままでした。それは別々にそして独立して開発されました。しかし、これは永遠に続くことはできませんでした。

時間が経つにつれて、国の政治情勢がそれは悪化し、高く尊敬されている人物は多くの芸術家を魅了しています。それらのいくつかは、戦争の初めに、愛国的なスタイルで作成し始めます。残りは当局の命令によってのみこのプロセスを開始します。

したがって、日本の美術は特に第二次世界大戦中に発展することができませんでした。したがって、塗装の場合は停滞と言えます。

永遠の水墨画

日本画墨絵、または水墨画、翻訳は「インク描画」を意味します。これは、この芸術のスタイルとテクニックを決定します。それは中国から来ました、しかし日本人はそれを彼ら自身の方法と呼ぶことに決めました。そして当初、このテクニックには美的な側面はありませんでした。僧侶が禅を学びながら自己改善のために使用しました。また、最初は絵を描き、その後、見ながら集中力を養っていました。僧侶たちは、厳格な線、漠然とした色調、影（これらはすべてモノクロームと呼ばれます）が育成に役立ったと信じていました。

日本の水墨画は、多種多様な絵画や技法にもかかわらず、一見したほど複雑ではありません。これは、4つのプロットのみに基づいています。

1. 菊。
2. 蘭。
3. プラムブランチ。
4. 竹。

プロットの数が少ないと、テクニックをすばやく習得できません。一部のマスターは、学習は一生続くと信じています。

墨絵は昔から登場しているにも関わらず、常に需要があります。さらに、今日、この学校のマスターに会うことができるのは、日本だけでなく、国境をはるかに超えています。

現代の時代

第二次世界大戦後、日本では芸術が栄えました大都市でのみ、村人と村人は十分な心配をしていました。ほとんどの場合、アーティストは戦時中の喪失から目をそらし、キャンバスにすべての装飾と特徴を備えた現代の都市生活を描写しようとしました。ヨーロッパとアメリカのアイデアは首尾よく受け入れられましたが、この状況は長くは続きませんでした。多くのマスターは徐々に彼らから日本の学校に向かって移動し始めました。

伝統的なスタイルは常にファッショナブルなままです。したがって、現代の日本画は、実行の技術またはプロセスで使用される材料のみが異なる可能性があります。しかし、ほとんどのアーティストはさまざまな革新をうまく受け入れていません。

ファッショナブルでモダンアニメや同様のスタイルなどのサブカルチャー。多くのアーティストは、クラシックと今日求められているものとの間の境界線を曖昧にしようとしています。ほとんどの場合、この状況は商取引によるものです。クラシックと伝統的なジャンルは実際にはそれぞれ購入されていません。お気に入りのジャンルのアーティストとして働くことは不採算です。ファッションに適応する必要があります。

結論

間違いなく、日本画は美術品の倉庫全体。おそらく、問題の国は、西洋のトレンドの先導に従わず、ファッションに適応し始めなかった唯一の国でした。新しい技術の到来時に多くの打撃を受けたにもかかわらず、日本の芸術家は依然として多くのジャンルで国の伝統を守ることができました。現代において、古典的なスタイルで作られた絵画が展示会で高く評価されているのは、おそらくそのためです。