Apariția cubismului este atribuită anilor 1906-1907.Această tendință s-a dezvoltat și a apărut în principal în Franța (reprezentanți proeminenți sunt P. Picasso, H. Griss și J. Braque), precum și în alte câteva țări.
Să încercăm să răspundem la această întrebare. Cubismul este o direcție artistică specială, al cărei limbaj se bazează pe deformarea obiectelor, descompunerea lor în planuri geometrice și o schimbare a formei.
Ideea principală pe care a fost construit a fosto încercare de a exprima toată complexitatea și diversitatea realității înconjurătoare cu ajutorul celor mai simple modele spațiale și forme de fenomene și lucruri. Apariția acestei tendințe a schimbat multe dintre principiile și ideile estetice stabilite în pictura europeană. Reprezentanții cubismului au rupt de „realismul optic”, abandonând natura ca subiect al artei plastice, din perspectivă și clarobscurul ca singur mijloc de exprimare artistică.
Pentru acest pictor pe tot parcursul luicalea creativă a fost caracterizată de lucru în mai multe stiluri în același timp. Picasso a recurs alternativ la moduri complet opuse de a-și exprima atitudinea.
În opera sa, se poate găsi și cubistpictura la limita abstracției și realismului. Uneori, în căutarea sa, s-a abătut atât de mult de la artele vizuale clasice tradiționale, încât întoarcerea sa pe calea creativității realiste părea de neconceput. Cu toate acestea, artistul a creat portrete uluitoare și naturi moarte în stil cubist. Erau lucrări realiste, scrise într-o manieră inimitabilă, individuală. Mijloacele artistice tradiționale folosite de autor au servit la rezolvarea problemelor moderne. Unul dintre primele tablouri, pictat în stilul cubismului, este tabloul „Fecioarele din Avignon” de P. Picasso. Această operă de artă se remarcă prin grotescitatea sa neobișnuită: înfățișează figuri brute fără elemente de clarobscur și perspectivă, prezentate ca o combinație de volume așezate pe un plan.
Criticul francez L.Vausel a folosit pentru prima dată termenul „cubist” în 1908 ca un nume derizoriu pentru artiștii care descriu realitatea folosind figuri geometrice volumetrice obișnuite (cilindru, con, cub, bilă). O astfel de creativitate conținea o provocare la adresa tradițiilor artei realiste. Picturile în stilul cubismului se distingeau printr-o tendință spre asceza culorii, către forme tangibile, simple și motive elementare (de exemplu, ustensile, un copac sau o casă). Această trăsătură se manifestă cel mai clar în lucrările sale timpurii din perioada „Cezanne” (1907-1909). Artistul P. Cezanne pune accent pe stabilitatea și obiectivitatea lumii; volumele fațetate, pe care le folosește ca instrument pentru a transmite o imagine, formează o aparență de relief, iar culorile evidențiază anumite fațete ale obiectelor, sporind și zdrobind simultan volumul. Următoarea etapă în dezvoltarea cubismului este „analitică” (1910-1912). Obiectul este împărțit în părți mici care pot fi separate cu ușurință unele de altele, iar forma sa pare să se întindă pe pânză. Ultima etapă, „sintetică” (1912-1914) este mai decorativă, picturile devin panouri plate colorate, apar unele elemente texturate - structuri volumetrice, autocolante (colaje), prăfuire... În același timp, se dezvoltă și sculptura cubistă. Picasso și Braque au inclus adesea anumite litere sau cuvinte în pânzele lor. Aceste inscripții, de regulă, nu corespundeau conținutului, dar au ajutat vizitatorii expozițiilor să înțeleagă aproximativ intenția artistului.
Publicul a tratat opera cubiștilor cuironie, uneori chiar înzestrându-i cu epitete nemăgulitoare și ridicol. Presa a publicat critici dure, prin natura ei apropiindu-se uneori de un scandal public. Spectatorii care s-au regăsit la expoziția de pictură cubistă au experimentat senzații care pot fi comparate cu sentimentele unei persoane care mergea într-o călătorie plăcută, dar au primit în schimb o invitație de a lua parte la trasarea unor noi drumuri.
Această reacție a confirmat că trecerea la aceastadirecția a avut loc rapid, în ciuda lungii perioade pregătitoare, în care telespectatorul metropolitan ar fi trebuit să-și lărgească semnificativ orizonturile. Cu toate acestea, cubismul însuși, picturile pictate în acest stil, au fost plăcute de o anumită parte a publicului și au găsit sprijin din partea patronilor artelor.
Această direcție a influențat foarte mult dezvoltareagândire creativă. Cubismul în artă reflecta noile tendințe ale vieții în toată versatilitatea și contradicțiile sale: dorința de democratizare - recunoașterea primitivismului, respingerea individului, privat, cameral; credința în știință - dorința de a crea o „gramatică a artei”, căutarea unor metode obiective.
Astăzi, fiecare persoană cu minte deschisă admirăoperele impresioniștilor, distinge clar convențiile de culori familiare nouă. Și la momentul apariției sale, tuturor părea că cubismul este o adevărată revoluție în artă. Este această direcție care analizează toate componentele existente ale picturii. Forma imaginii, culoarea și perspectivele liniare, volumele devin convenționale.
În epoca premergătoare formării cubismului, înla noi, ca si in Franta, interesul pentru folk, creativitatea traditionala a crescut. În acest moment, tinerii artiști ruși erau caracterizați nu numai de interesul pentru arta „primitivă” (inclusiv africană), ci și de dorul de inviolabilitate strictă, de compoziție arhitecturală, precum și de credința într-o anumită regularitate și natură matematică a experiențelor ritmice.
În opera multor artiști rușiun anumit loc este ocupat de cubism (aceștia sunt Chagall, Lentulov, Archipenko, Altman și alții). Cu toate acestea, figura centrală este, fără îndoială, Kazimir Malevich. Activitatea și creativitatea sa pedagogică, precum și munca teoretică, au avut un impact uriaș asupra formării unei întregi direcții.
Poate părea că nimic nu este mai ușor decâtdesenați un pătrat negru pe un fundal alb. Probabil, orice persoană poate portretiza asta. Dar iată un mister: acest tablou faimos al artistului rus Malevici încă atrage atenția cercetătorilor și iubitorilor de artă, deși a fost creat la începutul secolului trecut. Ca ceva misterios, ca mit, ca simbol al avangardei ruse...
Se spune că artistul, scriind „Negrupătrat ", el însuși nu a înțeles ce a făcut și multă vreme nu a putut nici să mănânce, nici să doarmă. De fapt, s-a făcut o treabă grea pentru ca această imagine să iasă la iveală. La urma urmei, când te uiți la ea, sub crăpături, straturile inferioare devin distinse - verde, roz, aparent, a existat un fel de compoziție de culoare, dar autorul a considerat-o invalidă și a pictat un pătrat negru deasupra.Această operă de artă a fost susținută în stilul cubismului. Picturile lui Malevich se distingeau prin varietatea lor, dar el însuși credea că „Pătratul Negru” este punctul culminant al activității sale creative.
